Programa abierto 2019

Exposición

MATERIA BOSQUE

Comisario: Eduardo Bonito
Un proyecto de: RCR BUNKA Fundació Privada
Con la colaboración de:
Labea – Laboratorio de Arte y Ecología
Gráfica y diseño de montaje: Andrea Buchner, Marc Valero
Programa: Danza
Fecha / Horario: Del 15  de julio al 2 de agosto de 2019. De lunes a viernes, previa reserva.
Lugar: RCR BUNKA Fundació Privada,  Sala 1, Carrer Fontanella 21, 17800 Olot (Girona)

Materia Bosque es una selección de once obras de videodanza y videoarte que exploran la potencia estética del bosque a través del cuerpo, la imagen y el movimiento. La idea de Materia Bosque surge inspirada en la vinculación íntima que la obra de RCR Arquitectes tiene con los árboles como materia prima de construcción de espacios de vida. El  árbol es un elemento esencial del paisaje que, además, nos regala sombra, alimento, medicina, leña, madera, paz y futuro; pero si aprendemos a mirarlo, se convierte en otro ser vivo con el que compartimos territorio, colaboramos, dialogamos y bailamos.

Agradecimientos a REDIV – Red Iberoamericana de videodanza, Dança em Foco, Fiver, Simon Whitehead, Brisa MP, y a todos los y los invitados de las conferencias del Programa Abierto 2019 que nos han inspirado con su trabajo.

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Gravity of Center

Canadá (2011), 13 min
Dirección: Thibaut Duverneix y Victor Quijada
Coreografía: Victor Quijada
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El espacio de naturaleza y el espacio arquitectónico conviven en “Gravity of Center” como universos paralelos que simbolizan el conflicto entre la asimilación social y la necesidad de individualismo; la dicotomía entre abundancia y escasez, y  la mentalidad de manada versus la mentalidad de rebaño. La obra cuenta con la coreografía sofisticada de Quijada y es resultado de su colaboración con el  director de cine y proyectos interactivos Thibaut Duverneix para adaptar la coreografía original escénica a la pantalla.

Concepto, dirección, y edición: Thibaut Duverneix y Victor Quijada /  Coreografía: Victor Quijada  /  Dirección de fotografía: Christophe Collette  /  Música y diseño de sonido:  Jasper Gahunia  /  Bailarines: Elon Höglun, Emmanuelle LePhan, Daniel Mayo, Anne Plamondon, Victor Quijada  / Coproducción de Natalie Galazka, Sach Baylin-Stern, el grupo RUBBERBANDance y ANTLER Films, con el apoyo de BravoFACT, the Canada Council for the Arts, Société de la Place des Arts de Montréal, y Conseil des arts et des lettres du Québec.

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Four solos in the wild

Reino Unido (2016), 18 min
Dirección: Ray Jacobs
Coreografía: Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly
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La verdad y la profundidad en el arte es, a menudo, evocada por artistas no profesionales. Los intérpretes Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly  pasaron dos semanas en el bosque de Tycanol en Gales y, a partir de esta experiencia, crearon cuatro solos de danza en donde juegan con sus límites físicos y perceptivos para entregarse a una absoluta simbiosis con la naturaleza. “Four solos in the wild” es un proyecto comunitario realizado junto con Arty Party, una asociación que trabaja con adultos con diversidad funcional de aprendizaje para explorar, expresar y celebrar su creatividad.

Intérpretes solistas: Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly  /  Performers del proyecto: Chloe Shepherd, Dean Warburton, Georgie Dawson  /  Apoyo creación: Anna Belyavin, Fran O’Boyle, Tara Rutter  /  Mentora coreográfica: Rachel Liggitt  /  Música: Deuair  /  Diseño sonido: Jonah brody  /  Facilitador de residencia: Simon Whitehead  /  Vestuario y diseño: Wren Miller  /  Abastecimiento: Derw Robertson Jacobs  /  Asistente de cámara: Callum Barre  /  Director de fotografía: Jonathan Tritton  /  Edición: Jonathan Tritton y Ray Jacobs  /  Mezcladores de doblaje: Andrew Wilson y Rob Edwards  /  Fotografía: Chris Nash y Ray Jacobs  /  Dirigida por Ray Jacobs  /  Producido por Arty Party.

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One floor above they sing until someone swims with dolphins

Rusia (2017), 10 min
Dirección y coreografía: Vik Laschenov
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Los héroes de esta fábula contemporánea trabajan en grandes corporaciones. Son exitosos y elegantes pero parecen infelices. Están tratando de dar sentido a su vida y, casi de manera inconsciente, acaban escapándose al bosque tratado aquí como un espacio donde todo es posible. El video arte “One floor above they sing until someone swims with dolphins” utiliza la ironía, las paradojas y la nostalgia para acompañar esa búsqueda. Vik Laschenov ha estudiado cine y danza, y trabaja con la cultura de masas, el pop, el kitsch y la estética del error.

Director y guionista: Vik Laschenov  /  Bailarines: Alexey Kirsanov, Vladimir Ermachenkov, Emil Agaev, Yuriy Kordas, Alexey Tsurkan, Alexandr Margorin, Roman Finogeev, Boris Borisov, Vasiliy Korneev, Konstantin Kuzmin, Andrey Glazov, Pavel Smirnov, Iliya Silaev, Ivan Kashin, Thomas Clark, Serj Tubash.  /  Sonido (música): Vik Laschenov  /  Cámara: Nikita Lychev, Sergey Kuznetsov, Lena Artemenko, Alexey Kurbatov, Vik Laschenov  /  Editor: Vik Laschenov  /  Productor: Vik Laschenov.

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Degrau em grau

Portugal (2015), 8 min
Dirección: 
Hugo França
Coreografía:
Carolina Rocha
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Las islas Azores es el territorio que han elegido Hugo França y Carolina Rocha para crear esta obra que transita de manera intermitente entre los artificios de la arquitectura y los espacios de naturaleza que los soportan. En la obra, los creadores nos animan a experimentar la isla en donde nacieron y a someternos a sus juegos de formas y perspectivas. En “Degrau em grau” el cuerpo, la arquitectura y la naturaleza se convierten en puentes entre el cielo y la tierra. Son lugares reales se transforman en mundos paralelos desprovistos de narrativa pero llenos de utopía, espontaneidad y libertad.

Dirección: Hugo França / Coreografía e interpretación: Carolina Rocha.

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Outside in

Suecia (2011), 10 min
Dirección:
Tove Skeidsvoll & Petrus Sjövik
Coreografía:
Tove Skeidsvoll
Trailer

¿Qué es real y qué es escénico? La interpretación impecable de Tove Skeidsvoll en “Outside In” demuestra que la verosimilitud de un cuerpo performático puede contagiar el espacio escénico convirtiéndolo en real. En la obra, el bosque actua como espacio inductor de ensueños y el ser que lo habita tendrá que usar la fuerza de la imaginación para superar todo tipo de interferencias y seguir su propio camino.

La película es una colaboración de la bailarina y coreógrafa con el fotografo Petrus Sjövik y fue grabada en Norrlands-Operan en Umeå, Suecia.

Concepto, guión, dirección: Tove Skeidsvoll & Petrus Sjövik  /  Coreografía: Tove Skeidsvoll  /  Director de fotografía: Peter Sjövik  /  Edición: Nils Moström  /  Interpretación: Tove Skeidsvoll  /  Música: Johannes Burström  /  Producido por Norrlands Operan en colaboración con Film i Västernorrland.

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Motus Gravis / Concrescence

Italia (2013), 1 min
Dirección:
Michele Ragni
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Canadá (2017), 2 min
Dirección:
Dan Browne
Trailer

Dos obras cortas que, juntas, nos hablan de la gracia y elegancia del movimiento del mundo. “Motus Gravis”, del realizador italiano Michele Ragni, es un videoarte de 60 segundos que capta la danza hipnótica y sofisticada de los árboles. Por su parte, en “Concrescence” Dan Browne consigue, a partir del collage en movimiento, resaltar el brillo de los colores oscuros de la naturaleza invernal. Michele Ragni es un video artista italiano con amplia trayectoria en la creación de videodanza. Dan Browne es un videoasta y artista multimedia que explora los patrones de la naturaleza a través  de formas cinéticas y densas.

Créditos Motus Gravis. Dirección y edición: Michele Ragni  /  Música original: Andrea Rellini, cello  /  Interpretación: La Natura.

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The Wind Telephone

EEUU (2016), 6 min
Dirección:
Jody Stillwater
Coreografía:
Nicole Klaymoon
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“The Wind Telephone” es un viaje al mundo imaginario de una niña que acaba de perder a su madre. Lúdica, emotiva y, en ocasiones, macabra, la obra construye un paisaje íntimo y atemporal en donde la protagonista intenta encontrar su lugar. La coreógrafa Nicole Klaymoon fundó Embodiment Project, una compañía de danzas urbanas que trabaja con narrativas silenciadas por la desigualdad social para inspirar el diálogo crítico y una sociedad más sana. Por su parte el director, Jody Stillwater es escritor, director y tecnólogo creativo cuyos proyectos se basan en la lógica de los sueños y en la realidad táctil, con un enfoque transformador de la semiótica visual.

Director / Editor: Jody Stillwater  /  Coreógrafo: Nicole Klaymoon  /  Productora: Lindsay Gauthier  /  Director de fotografía: Michael Epple  /  Performers: Micah Head, Rama Mahesh Hall, Amber Julian, Jon Lee, Valerie Troutt  /  Productor ejecutivo: Judy Flannery & Suzanne Oberlin  /  Post-Sonido: Patrick Shaffer  /  Música original: Valerie Troutt y Kool Kyle  /  Partitura original: Patrick Shaffer y Jody Stillwater  /  Guardarropa: Jarred Garza  /  Dirección de producción: Lauren Finerman & Genevieve Hand  /  1er asistente de dirección: Alex Irwin & Clare Schweitzer  /  Gaffer: Chris Galdes  /  Grip: Tandy Kyne /  AC: Lawrence Abad / DIT: Ben Estabrook & Dylan Love  /  Sonido: Alex Irwin & Clare Schweitzer  /  Fotografía: Aleksey Bochkovsky  /  PA: Terrence Paschal & Steve Merlo  /  Asistente de localización: Anza Jarsche, Rewa Bush & Tom Shean  /  Catering: Dan Tosh  /  Arte escultórico: Peter Müller  /  Gracias a Djerassi Resident Artists Program & Margot H. Knight,The Little Giant Lighting y Grip Co. y Videofax  /  Esta obra ha sido posible gracias a la colaboración de la Fundación Kenneth Rainin,  Fundación Zellerbach Family y la Fundación Fleischhacker.

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Materia - Substance

Brasil (2012), 9 min
Dirección:
Allison Moore
Coreografía:
Aline Bernardi
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“Materia – Substance” es un poema visual realizado a partir del estudio coreográfico de las poesías del poeta brasileño Manoel de Barros. Dirigida por la artista Allison Moore, con textos y coreografía de Aline Bernardi, la obra investiga los juegos de escala y perspectiva del paisaje mostrando como nuestros sentidos de distancia y proporción cambian en espacios de naturaleza. Materia – Substance es el fruto de un programa de colaboración internacional realizado durante una residencia en una Eco Vila en Brasil.

Guión y concepción: Aline Bernardi y Allison Moore  /  Dirección, fotografía y edicción: Allison Moore  /  Performance, texto y coreografía: Aline Bernardi  /  Grabaciones de sonido: Fernando Godoy  /  Edición de sonido: Allison Moore  /  Agradecimientos: Luis Bernardo Guzmin, Domingos Guimaraes y Jairo dos Santos  /  Producido durante la Residencia Artística Interacciones Urbano-Rural [2012] en la Eco Vila Terra Una, Minas Gerais, Brasil.

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Zenit

España (2018), 3 min
Dirección:
Derek Pedrós
Coreografía:
Daniel Morales
Trailer

La palabra “Zenit” proviene de la expresión árabe “rumbo, dirección” y, en la videodanza de Derek Pedrós, la dirección del intérprete, y de los árboles que lo rodean, siempre apunta al cielo. En el bosque para crecer alto hay que estar bien enraizado. Daniel Morales es un bailarín y coreógrafo formado en Danzas Urbanas que ha desarrollado su lenguaje propio a través de la exploración en la danza contemporánea. Por su parte, el director Derek Pedrós es fotógrafo y autor de varios videodanzas con escenarios naturales de gran belleza.

Director y Cámara: Derek Pedrós / Coreógrafo y bailarín: Daniel Morales  /  Efectos de sonido: fonotecadecanarias.org. En colaboración con el Cabildo de Tenerife.

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Fase

Bélgica (2002), extracto de 15 min
Dirección:
Thierry de Mey
Coreografía:
Anne Teresa De Keersmaeker
Trailer

“Fase” es la adaptación a la pantalla de “Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich”, dirigida por el cineasta y músico Thierry de Mey veinte años después de su estreno en los escenarios. En “Fase”, De Keersmaeker invoca la fuerza performativa de la obra minimalista de Steven Reich y dibuja con sus pies la rosa que sirvió de inspiración para el nombre de su compañía. Materia Bosque muestra “Violin Phase” una de las cuatro fases de la obra junto con “Piano Phase”, “Come Out” y “Clapping Music”, filmadas por De Mey en otros espacios.

Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker  /  Intérprete : Anne Teresa De Keersmaeker con apoyo de Michèle Anne De Mey en la creación. Anne Teresa De Keersmaeker y Tale Dolven desde finales de los años noventa; Cynthia Loemij y Tale Dolven de manera alternativa  /  Música: Steve Reich (Piano Phase, Violin Phase, Come Out, y Clapping Music, interpretadas por Edmund Niemann y Nurit Tilles al piano, y Shem Guibbory al violoncello  /  Luz: Remon Fromont y Mark Schwentner  /  Vestuario: Martine André y Anne Teresa De Keersmaeker  /  Producción: Schaamte (Diseño) y Compagnie Rosas & De Munt/La Monnaie  /  Producción: Avila, Sophimages, en coproducción con Rosas, NPS, ARTE France, RTBF Brugge 2002, La Monnaie y en colaboración con La Loterie nationale, VRT, CSales.

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Ciclo de conferencias

MATERIA BOSQUE

Todas las conferencias serán grabadas y retransmitidas en streaming en el Arts Santa Mònica

Jaume Mayol

TEd’A arquitectes
Programa Arquitectura y Paisaje

Videodanza Gravity of Center, Canadá, 2011, 13’ · Trailer
Conferencia Estática. Elogio de la lentitud

Lunes, 15 de Julio · 19:00 – 21:00

Irene Pérez Piferrer (Barcelona, ​​1976) es arquitecta por la Escuela de Arquitectura de Vallés (ETSAV-UPC, 2001). Jaume Mayol Amengual (Mallorca, 1976) es arquitecto por la Escuela de Arquitectura de Vallés (ETSAV-UPC 2000) y doctor por la Universidad Politécnica de Cataluña (UPC, 2010). Los dos también estudiaron en la Universidad de Roma Tres (1999) y tienen dos hijos: Aina y Biel.

TEd’A arquitectes han sido jurados y profesores visitantes en varias universidades internacionales, incluida la Universidad de Cornell en Ithaca (Nueva York), la Accademia di Architettura di Mendrisio (Suiza), la Escuela de Arte Kingston (Londres), ETSA Madrid, Lund Universitet (Suecia) , KTH Estocolmo (Suecia), la Escuela de Arquitectura del University College, Dublín (Irlanda), Fakultät für Architektur TU, Munich (Alemania), ETSA Barcelona y HEIA, Fribourg (Suiza), entre otros. Jaume Mayol ha impartido clases en la Escuela de Arquitectura de Vallés (Barcelona), IE School (Madrid) y ETSALS (Barcelona). Irene Pérez y Jaume Mayol fueron directores de uno de los talleres en la Academia de Oporto en 2017 (Portugal). Actualmente están enseñando en la Fakultät für Architektur TU Graz (Austria) y en la Stuttgart Universität (Alemania).

La obra de TEd’A arquitectes se expuso en el Pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016 (ganadora del León de Oro), en el Pabellón catalán-balear en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2012 y en la exposición itinerante ‘Materia sensible: Jóvenes arquitectos catalanes, 2010-2012 ‘.

TEd’A arquitectes

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Josep Maria Mallarach

Doctor en Biología y Medioambiente
Programa Arquitectura y Paisaje

Videodanza Four Solos in the Wild, Reino Unido, 2016, 16’ · Trailer
Conferencia El movimiento de la vida: Respetar y restaurar el flujo del entorno natural

Martes, 16 de Julio · 19:00 – 21:00

Josep Maria Mallarach (Olot,  España, 1955) ha orientado desde 1977 la mayor parte de su actividad profesional a la planificación, gestión y evaluación de espacios naturales protegidos en Europa y EEUU. Fue el primer director del Parque Natural de la Zona Volcánica de la Garrotxa (1985-1991) y coordinó, junto con Josep Germain, la primera evaluación del sistema de espacios protegidos de Cataluña, impulsada por la Institució Catalana d’Història Natural (2001-2003). Forma parte del Grupo de Trabajo de Evaluación de la Efectividad de la Gestión de los espacios protegidos de la Comisión Mundial de Áreas Protegidas de la IUCN. Fue el redactor del capítulo de evaluación del Plan de Acción de los Espacios Naturales Protegidos de España de 2002 y de su primera evaluación el 2007. Desde el año 2001 es profesor de evaluación de la efectividad de los espacios naturales protegidos en el máster de espacios naturales protegidos de las universidades Autónoma de Madrid, Complutense y de Alcalá de Henares. Ha publicado seis libros y numerosos artículos sobre espacios protegidos, especialmente sobre criterios de evaluación y conservación del patrimonio natural.
Es fundador de la asociación sin ánimo de lucro Silene, establecida en Cataluña, dedicada a estudiar, divulgar y promover el patrimonio espiritual y cultural inmaterial y sus valores inherentes, especialmente en relación con la Naturaleza, su conservación, y con los espacios naturales protegidos.

Silene

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Ferran Adrià

elBullifoundation
Programa Creatividad

Videodanza One floor above they sing until someone swims with dolphins, Rusia, 2017, 10’ ·  Trailer
Conferencia Comprender la innovación

Miércoles, 17 de Julio · 16:00 – 19:00

Ferran Adrià Acosta (Hospitalet de Llobregat, Barcelona, España, ​​1962) realiza sus estudios básicos en Barcelona, mientras vive con sus padres, Ginés, estucador, y Josefa, ama de casa, y su hermano Albert. Desde 2002, Ferran está casado con Isabel Pérez, y no tienen hijos.

En 1977 ingresa en el Instituto Politécnico de la Merced para cursar estudios administrativos, como antesala para la carrera de Ciencias Empresariales. Sin un motivo concreto, en 1980, deja los estudios y empieza su carrera culinaria de manera modesta, por azar, entrando a trabajar como lavaplatos en el hotel Playafels, de Castelldefels, cerca de l’Hospitalet. Allí, el chef Miquel Moy le permite que se familiarice con las técnicas culinarias básicas. En 1981 trabaja en el Club Cala Leña, en Es Canà, Ibiza. Tras regresar a Barcelona, desempeña diversos cometidos en establecimientos como El Suquet, Castell Arnau y Martinica y en 1982 ingresa en el prestigioso restaurante Finisterre. Durante el servicio militar en Cartagena forma parte del equipo de cocina del Almirante como responsable de cocina. Siguiendo una sugerencia de otro recluta catalán que trabaja en elBulli, Fermí Puig, en verano de 1983 pasa su mes de permiso en el restaurante de Cala Montjoi donde entra como jefe de partida en 1984 hasta su nombramiento por el director, Juli Soler, como jefe de cocina en tándem con Christian Lutaud. Juli Soler anima a Ferran a que viaje a Francia a conocer el mundo de la alta restauración. Cursa sendos stages en las cocinas de Georges Blanc i Jacques Pic. En 1986 pasa a convertirse en chef único de elBulli, tras la marcha de Christian Lutaud. A partir de 1987, Ferran decide dejar de lado el recetario de la nouvelle cuisine y proponer su propia manera de ver la cocina. Comienza basándose en el uso de ingredientes, técnicas y elaboraciones autóctonas, dándoles una nueva visión desde la alta cocina. Hasta 1993, este “estilo mediterráneo” marca la cocina de elBulli y ejercerá más tarde una importante influencia en la cocina catalana y española de la época.

En 1990 nace elBulli S.L., sociedad formada por Juli Soler i Ferran Adrià, que desarrolla diferentes vías y modelos de negocio. A principios de los noventa se empieza a producir un cambio en la cocina de Ferran y elBullirestaurante, y junto a los platos “mediterráneos”, aparecen una serie de nuevos conceptos, elaboraciones, técnicas y formatos de servicio que preparan el camino al cambio que se producirá de forma incontestable en 1994. A partir de entonces, una serie de constantes caracterizan el estilo de elBulli, concretadas en los 23 puntos de la síntesis de la cocina de elBulli. A nivel organizativo, Ferran y Juli estipulan, ya desde finales de 1987, una temporada dividida en dos partes: seis meses de servicio y seis meses de cierre del restaurante. Durante estos últimos seis meses, a lo largo de los años noventa se va buscando la fórmula para crear un taller, el primero de la historia de la alta cocina.

En 2000 se crea elBullitaller, en la calle Portaferrissa de Barcelona, y se establece un modelo de creatividad. En lugar de crear un plato a partir de una idea, durante los meses de cierre en Barcelona se lanzan centenares de ideas para conceptos, técnicas y elaboraciones, que en los seis meses en elBulli darán lugar a recetas acabadas y a menús. Además, se someten todas las variables y recursos del proceso a una auditoría creativa que proporciona un elevado nivel de eficiencia y eficacia, que es al fin y al cabo lo que ha determinado la longevidad creativa de elBulli.

En 2011 elBullirestaurante cierra sus puertas para transformarse en elBullifoundation. En 2012 se confirma que Juli Soler padece una enfermedad neurodegenerativa ―un golpe para toda su familia, incluido el equipo de elBulli― que conduce a remodelar todo el proyecto que había crecido de la mano del binomio Soler-Adrià. A partir de este momento, Ferran abordará en solitario las asesorías, consulting o proyectos de imagen, al tiempo que, desde elBullifoundation, se lanzarán proyectos sobre conocimiento e innovación. La herencia de Juli, cuyo espíritu abarca todas las acciones de elBullifoundation, se concreta en la incorporación de sus hijos, Rita y Panxo, como unos de los pilares de la fundación.

En 2013 se constituye elBullifoundation, fundación privada de estructura familiar promovida por Ferran Adrià y Juli Soler.

Más información sobre Ferran Adrià · elBullifoundation

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Sara de Giles

MGM Morales de Giles arquitectos
Programa Arquitectura y Paisaje

Videodanza Degrau em grau, Portugal, 2015, 8’ ·  Trailer
Conferencia Espacios de relación, movimiento y conexión

Viernes, 19 de Julio · 19:00 – 21:00

Sara de Giles Dubois (Sevilla, España, 1972) es doctora arquitecta, titulada por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla en 1998, donde es profesora asociada al Departamento de Proyectos Arquitectónicos. En la enseñanza ha desarrollado un gran interés en la investigación tipológica y formal, y se dedica a una exploración constante de nuevos escenarios de la arquitectura actual.

Desde 1998 es socia de José Morales Sánchez, que funda el estudio en 1987 junto con Juan González Mariscal. En 2004 el estudio se consolida bajo la denominación Morales de Giles Arquitectos SL. Su obra se ha desarrollado principalmente a partir de importantes premios en concursos conceptuales, tanto públicos como restringidos. Las competencias les han permitido ganar al consolidar una obra que refleja un fuerte interés público en la arquitectura, tanto en equipamiento como en vivienda. Los proyectos se han desarrollado buscando soluciones de calidad en cada etapa, una fuerte coherencia entre todos los aspectos del proyecto y una atención particular a los detalles obtenidos a través del control absoluto de materiales y soluciones tecnológicas. Su obra refleja un atento estudio en todo su proceso de desarrollo, tanto en los proyectos técnicos como en la ejecución de las obras; reconocido por diversas instituciones públicas y privadas que destacaron la calidad de estos trabajos a través de numerosos premios nacionales e internacionales.

Su trabajo también ha sido expuesto en la Bienal de Arquitectura de Venecia, en 2000, 2002 y 2006; en la exposición On Site: Nueva arquitectura en España en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA); y en la Bienal de Arquitectura Española en 1997, 1999, 2001, 2007 y 2009. Además, han ganado el primer Premio FAD a Investigación y Revisión en la primera convocatoria en 2006.

Han dirigido talleres en universidades como la Universidad Iuav de Venecia, la TU Berlin, la Universidad de Texas, la Escuela de Arquitectura de Montevideo, la London Metropolitan School de la Universidad Católica de Santiago de Chile, la Universidad de Navarra, la Universidad Internacional de Cataluña, la Universidad de Ciencias Aplicadas de Bochum, Alemania, y en la Escuela de Arquitectura de Madrid.

MGM Morales de Giles arquitectos

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Bibiana Puigdefàbregas

Escenógrafa
Programa Escenografía

Videodanza Outside In, Suecia, 2011, 10’ ·  Trailer
Conferencia El espacio lúdico

Lunes, 22 de Julio · 19:00 – 21:00

Bibiana Puigdefàbregas i Sagristà (Sant Pol de Mar, Barcelona, España, 1972) es licenciada en arte dramático, en la especialidad de escenografía, por el Institut del Teatre de la Diputación de Barcelona, y ha cursado estudios de arquitectura en la Universitat Politècnica de Catalunya. Trabaja desde 1998 como escenógrafa profesional.

Desde entonces ha hecho la escenografía de varios espectáculos dirigidos por Àlex Rigola como La màquina d’aigua (Festival de Sitges 1999), Un cop baix (Festival de Sitges 2000), Titus Andrònic (Festival Grec 2000), Woyzeck (Teatro Romea 2001), Suzuki I i II (Teatre Lliure 2001), El Cancionero de Palacio (Festival de Perelada, 2003), Glengarri Glen Roos (Teatre Lliure 2003, nominada al Premio Butaca), Santa Joana dels escorxadors (Teatre Grec 2004), Ricard III (Festival de Teatro Clásico de Almagro 2005), European House (Teatre Lliure 2005, Premi Butaca 2007), y finalmente Der fliegende Holländer (Gran Teatre del Liceu 2007).

Ha trabajado con el director de escena Ramón Simó, firmando escenografías de espectáculos como Calígula (2004), Fuente Ovejuna (2005), Arcàdia (2007), o La Dama de Reus (2008), todos ellos estrenados en el Teatre Nacional de Catalunya. Con la autora y directora Carol López ha hecho la escenografía de espectáculos como de Germanes (La Villarroel 2008), de Boulevard (La Villarroel 2009), Tres dones i un llop (La Villarroel 2010), o Così fan tutte (Gran Teatre del Liceu 2012). Ha colaborado con directores de escena como Josep Maria Mestres, Magda Puyo, Rafael Durán, Mario Gas o Sven Eric Bechtolf o Xicu Masó, haciendo las escenografías de algunos de sus montajes.

Desde 2007 es profesora de diseño escénico del Institut del Teatre, donde ha sido jefe de especialidad de escenografía de 2013 a 2017. Ha sido invitada a impartir cursos de escenografía en lugares como el Teatro San Martín de Buenos Aires (2006) o la Universidad del País Vasco (2007, 2008, 2010 y 2011).

Ha publicado el artículo “Landscape as the Backgroud for Scenic Arte” en la revista Theatre and Performance Design editada por la Quadriennal de Praga y Taylor and Francis Group (abril de 2016).

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Benoît Decron

Director del Musée Soulages, Rodez, Francia
Programa Arte

Videodanza Motus Gravis, Italia, 2013, 1’   ·  Trailer / Concrescence, Canadá, 2017, 2’ ·  Trailer
Conferencia Arte en movimento: Pierre Soulages

Martes, 23 de Julio · 19:00 – 21:00

Benoît Decron ha sido, de 1997 a 2009, conservador jefe del Museo de la Abadía de Sainte-Croix en Les Sables-d’Olonne, Francia, con exposiciones dedicadas a artistas como el estadounidense Peter Saul, los diseñadores de Bazooka, los pintores François Rouan, Marc Desgrandchamps y Philipe Cognée, el gran artista de Art Brut italiano, Carlo Zinelli, y en 2008, por primera vez en Francia, las imágenes inéditas de Emil Nolde. Ha publicado libros y artículos sobre todos ellos, pero también sobre Gaston Chaissac y Jean Dubuffet, y la correspondencia Chaissac-Jakovsky.

Actualmente es director del Museo Soulages en Rodez, Francia, ciudad natal de Pierre Soulages, el artista francés vivo más cotizado, conocido por la radicalidad de su pintura abstracta, que, según relata él mismo, lo importante es el juego con “la luz reflejada en el negro, que es el color menos luminoso”. Decron custodia la colección permanente del artista, con una veintena de óleos sobre tela, realizados entre 1940 y 1970, en los que Soulages experimenta con las texturas de la pintura, las formas y los colores, que progresivamente fueron derivando hacia el negro. También se expone un centenar de obras utilizando la técnica de la impresión, entre las que hay serigrafías, litografías y aguafuertes, y una serie compuesta por un centenar de pinturas sobre papel realizadas con nogalina, un colorante que se obtiene a partir de las cáscaras de nuez y que se emplea habitualmente para teñir la madera. Coincidiendo con la inauguración del Museo Soulages en 2014, ha comisariado la exhibición inaugural titulada “Outrenoir(s) en Europa”, reuniendo una veintena de obras realizadas desde 1979 hasta 2014, la mayoría de grandes dimensiones, con préstamos de museos de toda Europa.

El museo es obra de RCR Arquitectes con Gilles Trégouët, un proyecto seleccionado en 2008 entre casi un centenar de candidaturas. Concebido como un “museo-paisaje” de líneas sobrias, se conjugan el cristal y el acero en diversos acabados: negro, lacado y corten, una variedad cuya oxidación natural dota a la fachada de un color cobrizo. En el interior del museo, las salas grandes se combinan con otras más intimistas, donde se modula la intensidad de la luz, buscando un equilibrio entre la serenidad de los espacios y la presencia de la arquitectura, para la contemplación de las obras. La obra ha sido galardonada con el Premio de Arquitectura Española Internacional y la Médaille d’Or de l’Académie d’Architecture Française en 2015.

Museo Soulages

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Ivan Pintor

Doctor en Comunicación Audiovisual
Programa Audiovisual y Fotografía

Videodanza The Wind Telephone, EEUU, 2016, 6’  ·  Trailer
Conferencia El movimiento en la imagen fílmica

Miércoles, 24 de Julio · 19:00 – 21:00

Ivan Pintor Iranzo (Barcelona, 1975) es Doctor en Comunicación Audiovisual. Es profesor agregado del Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y ha impartido clases en universidades de Italia, Argentina y Colombia. Ha contribuido en más de una treintena de libros, entre los cuales Oshima (2013), La Strada di Fellini (Liguori, 2013), Poéticas del gesto en el cine contemporáneo(Intermedio, 2013), Todas las cartas (CCCB, 2012), Le Cinéma de Julio Medem(Publications de la Sorbonne), Universo Lynch (Festival de Sitges) o Naomi Kawase(Filmoteca). Ha dirigido numerosos ciclos para el CaixaFórum, así como el congreso Mutaciones del gesto (UPF, 2012). Ha realizado diversas piezas audiovisuales para museos y televisión y escribe habitualmente en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia.

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Hisao Suzuki

Fundador de Nature Urban Architecture Art (nuaa) / Hisao Suzuki Photography    
Programa Fotografía y Audiovisual

Videodanza Materia – Substance, Brasil, 2012, 9’ · Trailer
Conferencia Fotografiar con los cinco sentidos

Jueves, 25 de Julio · 19:00 – 21:00

Hisao Suzuki (Yamagata, Japón, 1957) es fotógrafo residente en Barcelona desde hace más de 30 años. Desde 1993 colabora con la revista de arquitectura El Croquis, convirtiéndose en el principal fotógrafo de la publicación y contribuyendo significativamente al reconocimiento como el medio de difusión de mayor prestigio internacional de arquitectura contemporánea.

Facebook Hisao Suzuki

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Eduardo Bonito

Director artístico, Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (BAC)
Programa Danza

Videodanza Zenit, España, 2018, 3’ · Trailer
Conferencia Materia Bosque

Lunes, 29 de Julio · 19:00 – 21:00

Eduardo Bonito (São Paulo, Brasil, 1969) se ha formado en Artes Escénicas y Relaciones Públicas por la Universidade de São Paulo (USP), Brasil, y en Actuación por la Middlesex University, Reino Unido. Actualmente es uno de los directores artísticos de la Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (BACmadrid) y desde 2005 director de Dança em Foco – Festival Internacional de Video y Danza (Brasil). Fue director artístico del festival Panorama de Río de Janeiro (2004-2013) y project manager en Artsadmin de Londres (1996-2001). Es fundador de varias redes y consultor para instituciones y fundaciones de América Latina y Europa. Trabaja regularmente como mentor de artistas residentes en los Teatros de Canal de Madrid y de artistas residentes y participantes del Proyecto PEA en el Graner/Mercat de les Flors de Barcelona. Desde 2017 es productor creativo del colectivo danés hello!earth.

Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid  ·  Dança em Foco · Panorama · Artsadmin · hello!earth

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Smiljan Radic

Arquitecto, Presidente de la Fundación de Arquitectura Frágil
Programa Arquitectura y Paisaje

Videodanza Fase, Bélgica, 2002, extracto de 15’ · Trailer
Conferencia Gravedad y algo de Gracia

Miércoles, 31 de Julio · 19:00 – 21:00

Smiljan Radic Clarke (Santiago de Chile, 1965) es arquitecto por la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile en 1989, y más tarde estudia en el Istitutto Universitario di Architettura di Venezia, en Italia. En 1995 abre su propia oficina en Santiago de Chile. En 2001 es elegido el mejor arquitecto joven menor de 35 años por el Colegio de Arquitectos de Chile; en 2008 recibe el Premio Design Vanguard de Architectural Record; en 2009 es nombrado miembro honorario del American Institute of Architects, EEUU; en 2013, 2015 y 2018 obtiene el premio al Mejor Edificio Chileno de la Universidad Mayor, Chile; en 2015 recibe el Premio Oris, Croacia; en 2018 el Teatro Bio-Bio es elegido entre los mejores edificios dentro del marco del Premio Design Vanguard de Architectural Record; y en 2018 recibe el Premio Arnold W. Brunner Memorial de la Academia Americana de Artes y Letras, EEUU.

Smiljan Radić es presidente de la Fundación de Arquitectura Frágil, cuyo objetivo es promocionar el estudio y la difusión de la arquitectura experimental o ese ámbito de las realidades improbables en el que los límites de la arquitectura se difuminan.

Ha impartido numerosas conferencias y su obra ha sido objeto de exposiciones en México, Argentina, España, Estados Unidos, Noruega, y Austria. Sus proyectos han sido publicados en revistas de arquitectura internacionales como El Croquis, 2G, Revista Internacional de Arquitectura, a+u, ARQ, Casabella, Detail, Lotus y Quaderns d’ Arquitectura i Urbanisme, y ha sido recogida en dos catálogos monográficos publicados en España por la Escuela Técnico Superior de la Universidad de Navarra y en Chile por Ediciones ARQ. En 2007 fue profesor invitado en la University of Texas.

Actualmente vive y trabaja en Chile, siempre en estrecha colaboración con la escultora Marcela Correa.

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