Un programa coorganizado por

bunka

Selección de videoarte

MATERIA BOSQUE II

Comisarios: Eduardo Bonito e Isabel Ferreira
Un proyecto de: RCR BUNKA Fundació Privada
Con la colaboración de:
Labea – Laboratorio de Artes Vivas y Ecología
Con el soporte de: Acción Cultural Española (AC/E)

Materia Bosque II es una selección de videoarte que celebra la potencia estética y política de los árboles como seres de futuro.

Los árboles son agentes de regeneración que nos informan e inspiran. Con ellos aprendemos a habitar el mundo de manera sostenible. Vivimos en el planeta de los árboles pero hemos dejado de verlos, hemos olvidado sus nombres y hemos olvidado que dependemos de ellos para sobrevivir. Ahora, en plena crisis climática, es más importante que nunca recuperar nuestra vinculación con ellos y celebrarlos como aliados necesarios para evitar el colapso ecológico.

Materia Bosque está formada por 10 video-creaciones que acompañarán las conferencias del RCR Programa Abierto 2020 Online. Es un proyecto de la Fundación Bunka con la curadoría de Eduardo Bonito e Isabel Ferreira en colaboración con LABEA – Laboratorio de Artes Vivas y Ecología.

Bienvenida Palabras de Bienvenida · Fecha Lunes, 13 de Julio de 2020 · 20:00

Assumpció Puig (Girona, España, 1954) es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Actualmente, ostenta el cargo de Decana del Colegio de Arquitectos de Cataluña.

En la actualidad, forma parte en nombre del COAC del patronato de las Fundaciones Mies van der Rohe, Docomomo Ibérico, Rafael Masó, Barcelona Centre de Disseny, Institut Tècnolocic de la Construcció, y es miembro del Consejo Empresarial de la UPC, y del Consejo asesor del ICAEN.

El Colegio de Arquitectos de Cataluña, fundado en 1931 y heredero de la antigua Asociación de Arquitectos (1874), es una corporación de derecho público que representa los arquitectos catalanes, impulsa la excelencia en la arquitectura y difunde sus valores, en especial su dimensión social y cultural. En la actualidad, suma 145 años de historia.

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Competing for Sunlight: Oak · Austria (2017), 6 min
Dirección: Dagmar Dachauer

“Oak” (“Roble”) es una versión contemporánea de la antigua comprensión humana del roble como una puerta de entrada a otras realidades. “Competir por la luz del sol” es una serie de cortometrajes de danza que cuentan pequeñas historias en torno a diferentes especies de árboles.

Dagmar Dachauer es bailarina, intérprete, coreógrafa y cineasta independiente, con sede en Bélgica y Austria. En 2015, fundó la asociación de arte Umfug, en la que realiza actuaciones y proyectos cinematográficos con colaboradores procedentes de diversos entornos, como música, diseño de sonido, cinematografía, artes visuales y ecología.

Directora: Dagmar Dachauer; Coreografía y Danza: Dagmar Dachauer, Knut Vikström Precht

Cinematografía: Kilian siempre lleno; Asistente de dirección: David Mair; Asistente de cámara: Benjamin Lachower; Edición: Rudi Maerten; Sonido: Daniel Pérez Hajdu; Clasificación del color: Kilian siempre lleno; Dramaturgo: Christine Fentz; Gerente de producción: Benjamin Lachower

Productor: Dagmar Dachauer; Coproductora: Bert De Somviele, Christine Fentz; Coproducción: Secret Hotel, Dommelhof C-TAKT, BOS; Producido por: UMFUG; Apoyado por: Cancillería Federal de Austria, Estado de Alta Austria.

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Programa Artes visuales y Danza · Conferencia Materia Bosque II · Fecha Lunes, 13 de Julio de 2020 · 20:00

Eduardo Bonito (São Paulo, Brasil, 1969) se ha formado en Artes Escénicas y Relaciones Públicas por la Universidade de São Paulo (USP), Brasil, y en Actuación por la Middlesex University, Reino Unido. Actualmente es uno de los directores artísticos de la Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (BACmadrid) y desde 2005 director de Dança em Foco – Festival Internacional de Video y Danza (Brasil). Fue director artístico del festival Panorama de Río de Janeiro (2004-2013) y project manager en Artsadmin de Londres (1996-2001). Es fundador de varias redes y consultor para instituciones y fundaciones de América Latina y Europa. Trabaja regularmente como mentor de artistas residentes en los Teatros de Canal de Madrid y de artistas residentes y participantes del Proyecto PEA en el Graner/Mercat de les Flors de Barcelona. Desde 2017 es productor creativo del colectivo danés hello!earth.

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El Bosque Hueco de Lucía Loren · España (2004), 9 min
Dirección: Juanma Valentín,  Lucía Loren

“El bosque hueco de Lucía Loren” es un proyecto de creación audiovisual que remarca los valores culturales y estéticos de un paisaje vivo. Lucia Loren realiza una serie de intervenciones en la naturaleza en las que ensalza el árbol como parte fundamental de un paisaje y su memoria. Estas intervenciones han servido de hilo conductor para que Juanma Valentín realice una video-creación en que las voces de los que pueblan este lugar forman un tejido de pensamientos y sentires que nos hablan de la importancia del entorno que habitan.

Lucía Loren trabaja en las relaciones de intercambio del ser humano con el entorno. Su vinculación con el paisaje ha inspirado las intervenciones específicas que ha realizado en diversos entornos naturales. Juanma Valentín es creador audiovisual y teatral, y director de la productora Ojos de nube. Su primer documental, El bosque hueco, le lleva a relacionarse estrechamente con el arte contemporáneo. Lucía Loren trabaja en las relaciones de intercambio del ser humano con el entorno. Su vinculación con el paisaje ha inspirado las intervenciones específicas que ha realizado en diversos entornos naturales.

Director: Juanma Valentín; Artista: Lucia Loren; Música: Claudio Recabarren; Posproducción Audiovisual: Adan Latonda_FONOFOX.  

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Programa Arquitectura y Paisaje · Conferencia Ser parte · Fecha Martes, 14 de Julio de 2020 · 20:00

María Langarita (Zaragoza, España, 1979) es Doctora en arquitectura por la ETSAM y profesora de proyectos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM).

En 2005, fundó junto a Víctor Navarro la oficina de arquitectura Langarita-Navarro, con sede en Madrid, donde diseñan y dirigen equipos de trabajo para, impulsados por la innovación y la imaginación, ayudar a conectar deseos y conocimiento, recursos y técnica, expectativas y experiencia.

Su obra ha recibido diversos premios internacionales, como la Mención especial al arquitecto emergente del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premio Mies van der Rohe (2013) por el proyecto de la Red Bull Music Academy, y el premio ar+d Award for Emerging Architecture (2012). También han recibido diversos premios nacionales, como el premio de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (2013), el Premio COAM (2013), el Premio AD Heineken Nuevos Valores (2013) o el Premio FAD de Arquitectura (2012).

Su trabajo ha sido seleccionado en diversas muestras, como la Bienal de Arquitectura de Venecia (2014 y 2008), la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (2014) o la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (2013 y 2011), y también ha sido exhibido en el Architekturzentrum de Viena (2014), en el Royal Institute of British Architects (2013) y su obra forma parte de la colección permanente del Centre Pompidou. En 2011 fueron invitados a participar en el International Young Architects Program organizado por el MoMA PS1 de Nueva York y la Fondazione MAXXI de Roma. Su obra ha sido recogida en diversas publicaciones y cuentan con un número monográfico en la revista 2G.

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Ash Dome · Reino Unido (1977-), 9:43 min
Dirección: Peter Telfer, Artista: David Nash

En febrero de 1977, se plantaron 22 fresnos en círculo con el objetivo de crear un espacio abovedado, un espacio para el siglo XXI.  El filme documenta a lo largo de décadas la escultura viva “Ash Dome” (Cúpula de fresnos) de David Nash ubicada en Ffestiniog Valley en País de Gales.

David Nash es conocido por su trabajo con los árboles: “Yo tomo el árbol prestado, lo trabajo y después, si quiero, al cabo de un tiempo puedo devolverlo a la tierra para que ésta lo absorba y empiece de nuevo su ciclo vital”.  Peter Telfer es un cineasta cuya misión ha sido conectar y documentar la escena artística en Gales. Es fundador de Culture Colony/Wladfa Newydd como espacio para compartir y desarrollar ideas para la comunidad creativa de Gales.

Director: Peter Telfer; Artista: David Nash

Programa Arquitectura y Paisaje · Conferencia Tres proyectos en Suiza · Fecha Miércoles, 15 de Julio de 2020 · 20:00

Barozzi Veiga fue fundado en el año 2004 en Barcelona por Fabrizio Barozzi y Alberto Veiga. Desde entonces, el estudio ha trabajado internacionalmente en proyectos públicos y privados que reciben múltiples distinciones prestigiosas. El trabajo de Barozzi Veiga, que incluye principalmente edificios culturales y educativos, se caracteriza por llegar a soluciones arraigadas al lugar, arquitecturas que se reconocen a lo largo del tiempo y que tienen un gran carga emocional. Conceptos e ideas capaces de crear atmósferas particulares, arquitectónicamente claras y expresivas, y capaces de tener un significado por sí mismas. Su obra construida incluye el Consejo Regulador DO Ribera del Duero (2011), el Auditorio Infanta Elena en Águilas (2011), la Szczecin Philharmonic Hall (2014), la Ragenhaus Musikschule en Bruneck (2018) y el Bündner Kunstmuseum en Chur (2018). Los proyectos completados más recientemente son el Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne (2019) y la Tanzhaus Zürich (2019).

Entre los premios más representativos, Barozzi Veiga ha sido distinguido con el Premio AJAC Jóvenes Arquitectos de Cataluña (2007) y el Premio Internacional de Arquitectura Barbara Cappochin (2011). En el 2012, la sede de Ribera del Duero, la primera obra construida de Barozzi Veiga, fue galardonada con la Medalla de Oro a la Arquitectura Italiana por el Mejor Debut 2012. En el 2015, el proyecto para la Szczecin Philharmonic Hall recibió el prestigioso Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea y el Premio Internacional FAD. En el 2018, el Bündner Kunstmuseum en Chur, Suiza, recibió el Premio RIBA Award for International Excellence, que distingue a los 20 mejores edificios construidos en todo el mundo durante los últimos tres años. Más recientemente, Barozzi Veiga recibió el Premio Internacional Chicago Atheneum (2019), el Premio Best Architects 20 Award (2019) y el Premio AD Arquitectos del Año (2019).

A lo largo de estos años, la oficina ha sido invitada a diferentes exposiciones internacionales, entre las cuales destacan la Chicago Architecture Biennal (2017) y la Biennale di Venezia (2014 y 2016). En 2016, Barozzi Veiga presentó ‘Sentimental Monumentality’, una instalación y un ensayo que definió el marco conceptual de su trabajo, publicado posteriormente en las monografías Barozzi Veiga editadas por Park Books (2014), a + u 535 (2015) y A- Mag (2018).

Fabrizio Barozzi (Rovereto, Italia, 1976) estudió arquitectura en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia y completó sus estudios académicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla y en la Ecole d’Architecture de Paris La Villette. Desde el comienzo de su carrera, mantuvo un equilibrio entre su actividad profesional y su participación académica. Entre 2007 y 2009,
fue profesor en la Universidad Internacional de Cataluña en Barcelona y, en 2009, fue profesor en la Universidad de Girona. Ha sido profesor visitante en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia entre 2013 y 2015 y, en 2016, comenzó a enseñar en el MIT Massachusetts Institute of Technology, donde volverá a enseñar como Visiting Professor.

Alberto Veiga (Santiago de Compostela, España, 1973) estudió arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Navarra. Entre 2007 y 2010 fue profesor en la Universidad Internacional de Cataluña en Barcelona y en 2014 fue profesor visitante en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia. Ha enseñado y dado conferencias en todo el mundo en escuelas de arquitectura en España, Italia, Portugal, Suiza, Holanda, Reino Unido, Chile y Estados Unidos.

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The Wind Telephone · EEUU (2016), 6 min
Dirección: Jody Stillwater · Coreografía: Nicole Klaymoon

“The Wind Telephone” es un viaje al mundo imaginario de una niña que acaba de perder a su madre. Lúdica, emotiva y, en ocasiones, macabra, la obra construye un paisaje íntimo y atemporal en donde la protagonista intenta encontrar su lugar. La coreógrafa Nicole Klaymoon fundó Embodiment Project, una compañía de danzas urbanas que trabaja con narrativas silenciadas por la desigualdad social para inspirar el diálogo crítico y una sociedad más sana. Por su parte el director, Jody Stillwater es escritor, director y tecnólogo creativo cuyos proyectos se basan en la lógica de los sueños y en la realidad táctil, con un enfoque transformador de la semiótica visual.

Director / Editor: Jody Stillwater  /  Coreógrafo: Nicole Klaymoon  /  Productora: Lindsay Gauthier  /  Director de fotografía: Michael Epple  /  Performers: Micah Head, Rama Mahesh Hall, Amber Julian, Jon Lee, Valerie Troutt  /  Productor ejecutivo: Judy Flannery & Suzanne Oberlin  /  Post-Sonido: Patrick Shaffer  /  Música original: Valerie Troutt y Kool Kyle  /  Partitura original: Patrick Shaffer y Jody Stillwater  /  Guardarropa: Jarred Garza  /  Dirección de producción: Lauren Finerman & Genevieve Hand  /  1er asistente de dirección: Alex Irwin & Clare Schweitzer  /  Gaffer: Chris Galdes  /  Grip: Tandy Kyne /  AC: Lawrence Abad / DIT: Ben Estabrook & Dylan Love  /  Sonido: Alex Irwin & Clare Schweitzer  /  Fotografía: Aleksey Bochkovsky  /  PA: Terrence Paschal & Steve Merlo  /  Asistente de localización: Anza Jarsche, Rewa Bush & Tom Shean  /  Catering: Dan Tosh  /  Arte escultórico: Peter Müller  /  Gracias a Djerassi Resident Artists Program & Margot H. Knight,The Little Giant Lighting y Grip Co. y Videofax  /  Esta obra ha sido posible gracias a la colaboración de la Fundación Kenneth Rainin,  Fundación Zellerbach Family y la Fundación Fleischhacker.

Selección RCR · Programa Abierto 2019 · Programa Audiovisual · Conferencia El movimiento en la imagen fílmica · Fecha Jueves, 16 de Julio de 2020 · 20:00

Ivan Pintor Iranzo (Barcelona, 1975) es Doctor en Comunicación Audiovisual. Es profesor agregado del Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y ha impartido clases en universidades de Italia, Argentina y Colombia. Ha contribuido en más de una treintena de libros, entre los cuales Oshima (2013), La Strada di Fellini (Liguori, 2013), Poéticas del gesto en el cine contemporáneo (Intermedio, 2013), Todas las cartas (CCCB, 2012), Le Cinéma de Julio Medem(Publications de la Sorbonne), Universo Lynch (Festival de Sitges) o Naomi Kawase (Filmoteca). Ha dirigido numerosos ciclos para el CaixaFórum, así como el congreso Mutaciones del gesto (UPF, 2012). Ha realizado diversas piezas audiovisuales para museos y televisión y escribe habitualmente en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia.

 

Drape · Japón (2010), 2:45 min
Dirección: Toshinori Tanaka

“Drape” utiliza la noción de espectralidad a través de un cuerpo que está constantemente desapareciendo y reapareciendo gracias al montaje. El cuerpo es efímero, rodeado de un bosque de árboles que permanece sólido, mientras que el baile evoluciona en formas cambiantes de ausencia/presencia.

Toshinori Tanaka es un cineasta que estudió en el Cavendish College de Londres y ahora actúa como profesor en la Universidad de Fukuyama y como subdirector de la organización sin fines de lucro iD Onomichi. Masumi Saito es artista y directora de movimiento que trabaja en teatro, cine, arte y moda.

Director: Toshinori Tanaka; Música: Haruka Nakamura; Intérprete: Masumi Saito.

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Selección RCR · Programa Abierto 2019 · Programa Arquitectura y Paisaje · Conferencia Gravedad y algo de Gracia · Fecha Viernes, 17 de Julio de 2020 · 20:00

Smiljan Radic Clarke (Santiago de Chile, 1965) es arquitecto por la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile en 1989, y más tarde estudia en el Istitutto Universitario di Architettura di Venezia, en Italia. En 1995 abre su propia oficina en Santiago de Chile. En 2001 es elegido el mejor arquitecto joven menor de 35 años por el Colegio de Arquitectos de Chile; en 2008 recibe el Premio Design Vanguard de Architectural Record; en 2009 es nombrado miembro honorario del American Institute of Architects, EEUU; en 2013, 2015 y 2018 obtiene el premio al Mejor Edificio Chileno de la Universidad Mayor, Chile; en 2015 recibe el Premio Oris, Croacia; en 2018 el Teatro Bio-Bio es elegido entre los mejores edificios dentro del marco del Premio Design Vanguard de Architectural Record; y en 2018 recibe el Premio Arnold W. Brunner Memorial de la Academia Americana de Artes y Letras, EEUU.

Smiljan Radic es presidente de la Fundación de Arquitectura Frágil, cuyo objetivo es promocionar el estudio y la difusión de la arquitectura experimental o ese ámbito de las realidades improbables en el que los límites de la arquitectura se difuminan.

Ha impartido numerosas conferencias y su obra ha sido objeto de exposiciones en México, Argentina, España, Estados Unidos, Noruega, y Austria. Sus proyectos han sido publicados en revistas de arquitectura internacionales como El Croquis, 2G, Revista Internacional de Arquitectura, a+u, ARQ, Casabella, Detail, Lotus y Quaderns d’ Arquitectura i Urbanisme, y ha sido recogida en dos catálogos monográficos publicados en España por la Escuela Técnico Superior de la Universidad de Navarra y en Chile por Ediciones ARQ. En 2007 fue profesor invitado en la University of Texas.

Actualmente vive y trabaja en Chile, siempre en estrecha colaboración con la escultora Marcela Correa.

Water on Asphalt · Alemania (2014), 1:25 min
Dirección: Johanna Reich

La artista está pintando con agua en la calle. Los reflejos acercan el cielo lejano y los árboles a su “destructor” – el asfalto. Water on Asphalt (“Agua en el asfalto”) muestra la ambigüedad entre el progreso digital y una naturaleza que desaparece. Se convierte en un “memento mori” – una memoria virtual que refleja el dilema ecológico inminente de nuestro tiempo.

Johanna Reich trabaja en el campo del vídeo arte, experimentando con diferentes medios como video, fotografía e instalación. Su trabajo presta especial atención a las vídeo performances, en las que juega (literal y metafóricamente) con la cámara, engañándola y cuestionando la imagen resultante.

Artista visual, cineasta: Johanna Reich  

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Programa Fotografía · Conferencia El silencio de la luz: La luz mágica · Fecha Lunes, 20 de Julio de 2020 · 20:00

Hisao Suzuki (Yamagata, Japón, 1957) es fotógrafo residente en Barcelona desde hace más de 30 años. Estudió fotografía en el Tokyo College of Photography (Tokyo Sougia Shashin Gakko) e inicia su trayectoria profesional con el fotógrafo Tahru Minowa, especializado en gastronomía.

Su relación con Barcelona y el interés por la arquitectura está íntimamente ligada a la obra de Antoni Gaudí. A partir de una exposición del célebre fotógrafo Eiko Hosoe sobre Gaudí en 1978 en el Yokohama City Hall, se adentra en el modernismo catalán y, posteriormente, en la arquitectura contemporánea a través de la colaboración con el arquitecto japonés Arata Isozaki, autor del Palau Sant Jordi para los Juegos Olímpicos de 1992 en Barcelona, documentando el proceso de construcción del palacio de deportes.

Desde 1993 colabora con la revista de arquitectura “El Croquis”, convirtiéndose en el principal fotógrafo de la publicación y contribuyendo significativamente al reconocimiento de la revista como el medio de difusión de mayor prestigio internacional de arquitectura contemporánea.

Dentro de las artes visuales, la fotografía se diferencia de otras disciplinas por su vinculación con la realidad, un hecho concreto, la existencia de un modelo. La mirada de Suzuki a la arquitectura deriva de las visiones creadas por Eiko Hosoe sobre Gaudí hacia una reflexión sobre el espacio. El espacio como hecho tridimensional conlleva una complejidad intrínseca ya que el formato de la fotografía es una imagen en dos dimensiones. De ahí que la interpretación del fotógrafo de una obra arquitectónica sea determinante. En las antípodas se encuentra una mirada que desea reflejar con la mayor fidelidad el espacio arquitectónico y su entorno, o su contrario, la interpretación personal de detalles que realzan una visión particular. La obra fotográfica de Hisao Suzuki representa la postura del testimonio fiel y minuciosamente documentado de la realidad. Dirige el taller desde la primera edición.

Ha sido director del Workshop Internacional de Audiovisual y Fotografía en las ediciones del RCR Summer Workshop presencial de 2013 a 2019 y dirige en 2020 el I e-Workshop Internacional de Fotografía.

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Ma mére l’Oye  (extract) · Bélgica / Francia (2001), 5:35 min (Original 27 min.)
Dirección: Thierry De Mey

Por encargo de la TV francesa ARTE, la versión televisiva de la película Mi madre la oca (Ma Mère l’Oye) de Thierry De Mey es un cautivador collage multidisciplinario, dirigido, bailado y filmado en los bosques que rodean Bruselas. La versión original realizada para ser exhibida en 3 pantallas y acompañada por una orquesta tocando la famosa obra homónima de Ravel.

Con: Radek Hewelt, Igor Paskiewicz, Iris Bouche, Tijen Lawton, Cristian Duarte, Shiani Granot, Pascale Gigon, Brice Leroux, Marion Levy, Manuela Rastaldi, Samir Akika, Annabelle Chamgon y Cédirc Charron, Erna Omasdottir, Sidi y Dami Cherka Cherka , Anne Teresa De Keersmaeker y Jonathan Burrows, Lieve Meeusen, Kate Mc Intosh, Eugénie De Mey, Riina Sastamoinen, Efrat Rubin, Michèle Anne De Mey, Thomas Hauert, Etienne Guilloteau y Marco Paccagnella.

Director: Thierry De Mey; Música: Maurice Ravel; Cámara: Aliocha Van der Avoot Thierry de Mey; Edición: Boris Van der Avoot, Isabelle Boyer.

Selección RCR · ‘RCR. Sueño y Naturaleza’ en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018  · Programa Arquitectura y Paisaje · Conferencia William Curtis con RCR: Sueño y Naturaleza · Fecha Jueves, 23 de Julio de 2020 · 20:00

William J. R. Curtis (Birchington, Kent, Reino Unido, 1948) es historiador de arquitectura, crítico, escritor, pintor y fotógrafo. Se graduó en 1970 en el Courtland Institute of Art de la Universidad de Londres y se doctoró en 1975 en la Universidad de Harvard. Es uno de los críticos e historiadores de arquitectura moderna y contemporánea más destacados. Ha escrito una decena de volúmenes y monografías, sus artículos se publican habitualmente en periódicos y revistas de todo el globo, ha impartido clases en Europa, Estados Unidos, Asia, Latinoamérica y Australia y su libro Arquitectura moderna desde 1900 (Phaidon, 1982; posteriormente ampliado y revisado en 1987 y 1996) es una obra de referencia de la historia y crítica de la arquitectura moderna y contemporánea. Es autor de Le Corbusier: Ideas and Forms (Phaidon, 1986), uno de los compendios más exhaustivos sobre uno de los arquitectos más influyentes del s. XX y de obras sobre otros maestros como el arquitecto indio Balkrishna Doshi (Mapin, Rizzoli, 1989) o el mexicano Teodoro González de León (Arquine, Reverte, 2004). Estos obras se complementan con títulos dedicados al arte, la arquitectura y la escultura como es el caso de Abstractions in Space: Tadao Ando, Ellsworth Kelly, Richard Serra (Pulitzer Foundation, 2001). Ha sido galardonado con premios a sus publicaciones y en su labor de crítico por el Comité international des critiques d’architecture (1985), la Society of Architectural Historians (Estados Unidos, 1982), la Medalla de plata de la World Architectural Biennale (1989) y Medalla Alice David Hitchcock de la Society of Architectural Historians of Great Britain (Reino Unido, 2004). Curtis también expone periódicamente parte de su obra fotográfica y pictórica. Actualmente reside en Francia.

Los caminos de Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramon Vilalta se cruzan con William J. R. Curtis con la publicación de RCR Aranda, Pigem, Vilalta Arquitectes. Entre la abstracción y la naturaleza (Gustavo Gili, 2004). Bajo el sello de RCR BUNKA Fundació Privada publica el texto “La estructura de las sombras.Bel-lloc” en la monografía dedicada a las bodegas de Bell-lloc de RCR Arquitectes en Palamós, Girona, España (2009). En la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018 estuvo presente RCR con el Pabellón de Cataluña sobre el proyecto de La Vila con la exposición “RCR. Sueño y Naturaleza” donde invitaron a Curtis a reflexionar juntos sobre crear conocimiento y nuevas formas de comunicar el arte y la arquitectura.

Saber más de William Curtis · Saber más de la exposición RCR. Sueño y Naturaleza

Duet · Países Bajos (2013), 2 min
Dirección: Jacqueline Kooter

Amor lubricado… ¿juego o lucha?

Jacqueline Kooter es artista visual y cineasta. Fundadora de la organización de arte STOV y miembro del consejo y curadora del espacio artístico Outline Amsterdam hasta 2000. Ella trabaja y vive en Amsterdam. Sus películas se han proyectado en múltiples festivales internacionales (de danza y cortometraje) en Europa, Estados Unidos, Hong Kong, Indonesia, Nepal, Pakistán y Japón.

Dirección, coreografía y realización: Jacqueline Kooter; Música: Eric Vloeimans y Jeroen van Vliet.

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Programa Escenografía · Conferencia ¿Adónde va el tiempo perdido?· Fecha Viernes, 24 de Julio de 2020 · 20:00

Con la colaboración de la Academia de Artes Escénicas de España

José Manuel Castanheira (Castelo Branco, Portugal, 19..) es Doctor en Arquitectura y Escenografía, y enseña en la Universidad de Arquitectura de la Universidad de Lisboa, desde 1982. Su vasta obra se caracteriza por la diversidad de disciplinas que toca, principalmente Escenografía y Arquitectura teatral, Escenografía de Exposiciones y Pintura. Ha sido galardonado con premios nacionales e internacionales y ha dirigido prácticas y seminarios en festivales, universidades y otras instituciones en España, Bélgica, Croacia, Francia,  República Checa, México, Grecia, Italia, Cuba, Suiza y Brasil. También es autor y consultor de proyectos arquitectónicos para teatros.

Trabaja en el teatro desde 1973 y, con más de 300 diseños escénicos, ha colaborado con directores como Rogério de Carvalho, Serge Belbel, Jorge Listopad, João Mota, Aderbal Freire-Filho, Artur Ramos, João Lourenço, Graziella Galvanni, Carlos Fernando Pérez de la Fuente, João César Monteiro, Maria Ruiz, Rosário Ruiz Rodgers, Joaquim Benite, Helena Pimenta, José Sanchis Sinisterra, Carlos Avilez, Rodrigo Francisco, José Carlos Plaza, Ricard Salvat, Christiane Jatahy e Ignácio Garcia.

Su obra alcanza una dimensión internacional, especialmente después de su retrospectiva presentada por el Centro Georges Pompidou de París, y más adelante, en la Fundación Gulbenkian de Lisboa, en el Museo Nacional de Teatro, en el MEIAC – Museo Iberoamericano de Arte Contemporáneo – de Badajoz y en muchos otros museos y galerías.

De sus recientes escenografías destacamos Ricardo II de Shakespeare, Memorial del Convento de José Saramago, Elektra en la versión de Giraudoux, San Juan de Max Aub, Carmen con el Ballet Nacional de España, La Cruzada de los Niños de la Calle de José Sanchis Sinisterra, El Pelícano de Strindberg, Bailando en Lughnasa de Brien Friel, Mártir de Marius von Mayenburg, Reinar después de Morir de Luis Vélez de Guevara.

Entre sus procesos creativos, su dibujo y su pintura han alcanzado una cierta autonomía que ha llevado a la realización de una serie de exposiciones individuales en los últimos años.

Además, ha creado, en 1996 para el Museo Gulbenkian de Lisboa, una exposición sobre las fábulas de La Fontaine, que ha alcanzado fama en el ámbito de la arquitectura de exposiciones. También fue el autor, durante tres años, del Pabellón de Portugal en la Feria Mundial de la Cultura y la Lengua, en París.

Para la EXPO’98 en Lisboa trabajó en los interiores del Pabellón de Portugal y fue uno de los doce escenógrafos seleccionados para concebir “Las Máquinas de Viaje”, que resultó ser uno de los eventos más representativos de toda la exposición. Su contribución consistió en una enorme máquina de caminar diseñada para el escenario, llamada “El vuelo de la cigüeña”.

Desde 2010 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de España y desde 2019 miembro de la Academia de Artes Escénicas de España.

Es también autor de los libros Castanheira-Cenografia, Desenhar Nuvens, Viriato Rey, O Tempo das Cerejas, Frei Luis de Sousa, Faust-Pessoa, Reinar después de morir y coautor de Catorze Histórias Incríveis ou o Fabuloso Imaginário das Lendas da Beira Baixa y Viagem à Italia.

Ha desempeñado funciones directivas en la Fundación Calouste Gulbenkian, en el Teatro Nacional Doña Maria II de Lisboa. En 1995, se une al jurado mundial de PQ95- Quadrienal de Diseño Escénico y Arquitectura Teatral de Praga.

 

Teatime with champagne by William Curtis Abstracción y luz· Fecha Lunes, 27 de Julio de 2020 · 17:00

William J.R. Curtis nos invita con este pequeño y poético ciclo a descubrir su particular mirada que mostró en la exposición Abstracción y luz en la Capilla del Palacio de Carlos V en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife del 28 septiembre al 22 noviembre de 2015.

Artista, fotógrafo, historiador y crítico de arquitectura, la exposición explora modos de ver la arquitectura y el paisaje con un énfasis particular en la luz, la geometría, el agua, el espacio y la sombra a través de una selección de obras, además de trazar un viaje de descubrimientos a través de un mundo de imágenes y formas. En Abstracción y luz, Curtis combina la lucidez histórica y la sensibilidad poética para ofrecernos una novedosa visión de la Alhambra.

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El catálogo bilingüe Abstracción y Luz. Abstraction and Light incluye una introducción de Álvaro Siza Vieira, varios textos fundamentales sobre la abstracción escritos por William J.R. Curtis, un epílogo de Juan Domingo Santos y diversas reflexiones críticas sobre el artista aportadas por varios autores, como Juhani Pallasmaa.

Waves · República Checa (2017), 3 min
Dirección: Vojtěch Domlátil

“Waves” es una pixelación no narrativa del paisaje checo. “Un observador, que aclara su mente y reduce el número de sus medios solo para trabajar con el tiempo y el espacio, no solo alcanza cierto éxtasis de pixelación, sino que también, si se une a “la ola”, su camino lo absorbe por completo”.

Cineasta independiente checo, animador, ilustrador, diseñador gráfico y profesor asistente en el estudio de animación de la Universidad de West Bohemia en Pilsen. En sus últimas películas se centra en los aspectos poéticos de la animación stopmotion, oscilando entre animación, documental y experimento.

Director, Diseñador, Productor: Vojtěch Domlátil

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Programa Arte sonoro · Conferencia Conferencia sobre nada arquitectura · Fecha Lunes, 27 de Julio de 2020 · 20:00

cabosanroque es un duo de artistas sonoros que nace de un numeroso colectivo musical formado en Barcelona en 2001. A caballo entre las artes plásticas y escénicas, y la música experimental, su trabajo gira alrededor de las capacidades performativas de la máquina, el objeto y el sonido. Desde 2015 son artistas residentes en la Fundación Lluís Coromina, en Banyoles.

cabosanroque son Laia Torrents (1976) licenciada en Ingeniería Superior Industrial por la UPC y estudios superiores de Composición, Armonía y Arreglos, y Roger Aixut (1975) licenciado en Arquitectura, UPC.

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Teatime with champagne by William Curtis Espejos de la imaginación · Fecha Martes, 28 de Julio de 2020 · 17:00

William J.R. Curtis nos invita con este pequeño y poético ciclo a descubrir su particular mirada que mostró en la exposición Abstracción y luz en la Capilla del Palacio de Carlos V en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife del 28 septiembre al 22 noviembre de 2015.

Su secuencia, titulada Espejos de la imaginación, se centra en las atmósferas de la Alhambra evocando el espíritu del lugar, sus reflectantes superficies de agua, su luz sublime y sus sombras misteriosas. A modo de espejos de la imaginación, sus obras reflejan mares interiores de la mente. Si hay semejanzas entre las pinturas y las fotografías es porque provienen del mismo mundo interior, de los mismos modelos de pensamiento. Estas estructuras mentales influyen tanto en la percepción como en la creación de las formas. Sus obras de diversas técnicas reflejan un modo congruente de mirar las cosas. La abstracción es lo que tienen en común.

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El catálogo bilingüe Abstracción y Luz. Abstraction and Light incluye una introducción de Álvaro Siza Vieira, varios textos fundamentales sobre la abstracción escritos por William J.R. Curtis, un epílogo de Juan Domingo Santos y diversas reflexiones críticas sobre el artista aportadas por varios autores, como Juhani Pallasmaa.

Teatime with champagne by William Curtis Recuerdos y resonancias · Fecha Miércoles, 29 de Julio de 2020 · 17:00

William J.R. Curtis nos invita con este pequeño y poético ciclo a descubrir su particular mirada que mostró en la exposición Abstracción y luz en la Capilla del Palacio de Carlos V en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife del 28 septiembre al 22 noviembre de 2015.

Descritos como “paisajes mentales”, sus cuadros y dibujos abstractos sugieren muchas realidades (el mar, las nubes, los estratos rocosos, el horizonte, el bosque) y sin embargo no pueden vincularse a ningún tema en particular; siempre resultan ambiguos. Hay un marcado énfasis en los materiales, pero el objetivo es explorar lo inmaterial. Estas obras sugieren los estratos, los niveles, las huellas y la atmósfera del paisaje, al tiempo que evocan cierto espíritu invisible; a su vez, llegan a los recovecos ocultos de la memoria y la imaginación.

Las obras de Curtis en todas las técnicas de todas las técnicas aluden a un orden que está más allá de las apariencias, a través de una abstracción lírica. Algunas de ellas adquieren el carácter de microcosmos que condensan vastos fenómenos naturales, como la formación de nubes o la infinidad del océano. Aunque están ancladas en la experiencia directa, también reaccionan a las fuerzas invisibles de la naturaleza y las traducen a una caligrafía abstracta de líneas entrelazadas y figuras flotantes.

Dibujos

A lo largo de los años William Curtis ha recogido sus impresiones y observaciones de viaje en pequeños cuadernos portátiles. Sus bocetos registran los sitios visitados y los lugares vistos, pero también penetran en las cualidades esenciales de los edificios experimentados. Los dibujos de ruinas y paisajes toman gradualmente vida propia como configuraciones abstractas de líneas, una caligrafía personal de espacios y horizontes. Así, el vocabulario de formas del artista se nutre constantemente de la observación y la transformación.

Los itinerarios de Curtis lo han llevado a muchos recovecos del mundo: El antiguo Egipto, los templos de la India y el sudeste asiático, las plataformas de México, las ruinas de Grecia y Roma, Machu Picchu, las costas de las Islas Canarias, Nueva Inglaterra y las Islas del Mar Báltico. Más allá de las imágenes individuales, surgen temas generales que interactúan con las pinturas y dibujos de “paisajes mentales” del artista. Por ejemplo, vuelve constantemente a configuraciones de capas horizontales que recuerdan tanto a estratos geológicos como a plataformas arquitectónicas. Hay una constante oscilación entre los bocetos de lugares particulares y la creación de espacios y formas abstractas.

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Microcosmos

La abstracción puede proporcionar una forma de condensar significados complejos en una forma aparentemente simple. Permite explorar realidades ocultas más allá de las características superficiales del mundo visible. Las obras de Curtis destilan sus impresiones de la “naturaleza” en este sentido más amplio, a la vez que evocan recuerdos y temas míticos. A veces aluden a los misterios del agua, la geología, la luz y el paisaje. Sin embargo, también sugieren presencias ocultas, incluso energías y fuerzas más allá de los fenómenos naturales. Un dibujo, pintura o boceto puede ser como un sismógrafo, un mapa mental entre los mundos internos y externos.

El arquitecto y crítico arquitectura finlandés Juhani Pallasmaa escribe que “Toda obra de arte significativa es un microcosmos completo, capaz de proyectar «un mundo entero como reflejado en una gota de agua»”.

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El catálogo bilingüe Abstracción y Luz. Abstraction and Light incluye una introducción de Álvaro Siza Vieira, varios textos fundamentales sobre la abstracción escritos por William J.R. Curtis, un epílogo de Juan Domingo Santos y diversas reflexiones críticas sobre el artista aportadas por varios autores, como Juhani Pallasmaa.

El paraíso de Nunca Jamás · España (2013), 4:16 min
Dirección: Yago de Mateo

Existen espacios mágicos y seres extraordinarios con el poder arrebatador capaz de cambiar el curso de la vida de abrirnos los ojos y otorgarnos una nueva mirada limpia con la que volar sin miedo a través de la ventana hacia la segunda estrella a la derecha y todo recto hasta el amanecer…

Yago de Mateo se dedica a la creación artística audiovisual. De perfil multidisciplinar y formado en ilustración, diseño gráfico, montaje y edición de video, se vuelca hacia la investigación del cuerpo en el espacio.

Desde la perspectiva de la danza y la videocreación, de Mateo explora los lenguajes y disciplinas de la performance, el teatro de calle, la instalación sonora y lumínica y participa en numerosas intervenciones en espacios urbanos y naturales.

Director: Yago de Mateo; Artista: Cristina Omecaña.      

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Programa Danza · Conferencia Cuando llega el silencio · Fecha Miércoles, 29 de Julio de 2020 · 20:00

Pep Ramis (Manacor, 1962) estudia violonchelo, títeres y técnicas de voz. Es director de escena, bailarín–actor, codirector de la compañía Mal Pelo y codirector de L’animal a l’esquena. De 1987 a 1988 participa como intérprete en el espectáculo Scirocco de Adriana Borriello, Italia. Dentro del grupo de creación Mal Pelo desarrolla su faceta de constructor de escenografías y espacios instalativos.

María Muñoz (Valencia, 1963) estudia música, danza y practica el atletismo de competición, con formación en Ámsterdam y Barcelona. Es coreógrafa, bailarina y codirectora de la compañía Mal Pelo y codirectora de L’animal a l’esquena. En 1982 tiene su primera experiencia profesional con la compañía japonesa residente en Holanda Shusaku & Dormu Dance Theater en el espectáculo Era. La formación junto a Maria Antònia Oliver del grupo La Dux en 1985 marca el inicio de su propia trayectoria en la creación escénica. Dentro del grupo desarrolla una faceta de investigadora y pedagoga del movimiento. También edita y estimula la creación de textos para la escena.

Pep Ramis y María Muñoz colaboran en 1988 en la creación del solo Cuarto Trastero y forman en 1989 el grupo de creación Mal Pelo.

Mal Pelo y L’animal a l’esquena Desde 1989 Mal Pelo ha presentado, entre otros, los espectáculos Quarere (1989), Sur, Perros del Sur (1992), Dol (1994), La calle del imaginero (1996), Orache (1998), El alma del bicho (1999), L’animal a l’esquena (2001), Atrás los ojos (2002), En el silenci (2003), BACH (2004), ATLAS (2005), Testimoni de llops (2006), He visto caballos (2008), Todos los nombres (2010), Caín & Caín (2011), La esperanza de vida de una liebre (2013), El Quinto Invierno (2015), 7 Lunas (2015) y The Mountain, the Truth and the Paradise (2017). En 2001 Pep Ramis y María Muñoz impulsan L’animal a l’esquena, un centro de creación e intercambio multidisciplinar en una masía de 19 hectáreas en Celrà, Girona. Un refugio que fomenta la experimentación y el intercambio de ideas y experiencias entre directores de escena, músicos, videoartistas, teóricos y bailarines que participan en residencias, talleres y laboratorios. Mal Pelo es desde 2000 compañía residente en L’animal a l’esquenaMal Pelo ha recibido, entre otros, el Premi Nacional de Dansa 2002 otorgado por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Danza 2009 en la modalidad de creación, el Premi Ciutat de Barcelona 2017 de Danza y el Premio de la Crítica Barcelona 2018.

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Teatime with champagne by William Curtis Transformaciones de la luz · Fecha Jueves, 30 de Julio de 2020 · 17:00

William J.R. Curtis nos invita con este pequeño y poético ciclo a descubrir su particular mirada que mostró en la exposición Abstracción y luz en la Capilla del Palacio de Carlos V en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife del 28 septiembre al 22 noviembre de 2015.

Las fotografías de Curtis no son meros registros de sus largos viajes, son también interpretaciones poéticas de lugares visitados y sitios vistos y experimentados. Al igual que sus pinturas y dibujos, la estructura abstracta desempeña un papel esencial en sus imágenes. Sus fotografías –ya sean del paisaje, el mar, las nubes o el horizonte, de rocas o edificios– usan de manera evocadora la luz y la sombra, y sugieren espacios para la meditación. Curtis ha escrito: “Una fotografía depende del ángulo elegido, pero también está influida por nuestros filtros intuitivos, por nuestro modo de ver; registra ciertos hechos del mundo exterior, pero responde también a una configuración interior. El fotógrafo se guía casi inconscientemente por recuerdos y sueños, por estructuras formales y por sus imágenes preferidas. La fotografía puede dar forma a una visión del mundo; invita a la reflexión sobre la ambigüedad.

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El catálogo bilingüe Abstracción y Luz. Abstraction and Light incluye una introducción de Álvaro Siza Vieira, varios textos fundamentales sobre la abstracción escritos por William J.R. Curtis, un epílogo de Juan Domingo Santos y diversas reflexiones críticas sobre el artista aportadas por varios autores, como Juhani Pallasmaa.

Clausura Palabras de Clausura · Fecha Jueves, 30 de Julio de 2020 · 20:00

Miquel Molins Nubiola (Barcelona, España, 1953) es doctor en Historia y Teoría del Arte Contemporáneo. Actualmente, es presidente de la Fundación Banco Sabadell. Ha sido profesor de las escuelas Eina y Massana de Barcelona y director de tesis del Máster Metrópolis de la Universidad Politécnica de Cataluña. Durante el curso 1994-95 fue visiting professor en el Art History, Theory and Criticism Department of the School of The Art Institute of Chicago. Ha dirigido el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y fue conservador de la Fundación Miró de Barcelona. Ha comisariado diversas exposiciones, en el Estado español y en el extranjero. Ha publicado varios ensayos sobre crítica y arte moderno y contemporáneo en publicaciones y prensa especializada. Hasta el curso 2016-2017 ha sido profesor de Teoría y Arte Contemporáneo de la Universidad Autónoma de Barcelona.

La Fundación Banco Sabadell se constituyó como fundación privada en el año 1994 con el propósito de estimular la excelencia y promover el saber y la cultura.

El objetivo de la Fundación es promover actividades de divulgación, formación e investigación en los ámbitos educativo, científico y cultural, así como fomentar y apoyar el talento joven. A lo largo de su trayectoria, ha contribuido a impulsar actividades en estos ámbitos y también se ha consolidado como organizadora de los prestigiosos galardones Premio Fundación Banco Sabadell a la Investigación Biomédica, a la Investigación Económica y a las Ciencias e Ingeniería.

La Fundación Banco Sabadell es uno de los principales colaboradores del RCR Summer Workshop y el Programa Abierto desde 2013.

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Cinere · España (2016), 3:16 min
Dirección: Nuria Mosqueira

Cinere nos sitúa en un monte quemado por la oleada de incendios del verano de 2015 en Galicia. Desde una visión poética muestra la tierra en cenizas y la contrapone a una mirada soñada o imaginada que nos deja ver, allá en el horizonte, lo que quizás hubo o nos gustaría alcanzar. Un fragmento que, como paisaje, podríamos escoger para pintar y contemplarlo. Pero la realidad asola los campos y tan sólo quedan unas manos que intentan recuperar un bosque imaginado, jugando con pequeñas flores y ramas que el incendio dejó como restos.

Nuria Mosqueira es una artista multidisciplinar que basa su práctica en la exploración de contextos próximos. Parte de encuentros que provocan un choque, extrañamientos ante un mundo en constante fractura. Busca reconstruir, mostrar heridas para intentar curarlas, así como cuestionar toda visión hegemónica ante esas realidades.

Artista visual, cineasta: Nuria Mosqueira

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Programa Artes escénicas · Conferencia Camuflaje arquitectónico · Fecha Jueves, 30 de Julio de 2020 · 20:00

El enfoque interdisciplinar de La Fura dels Baus ha llevado a amalgamar lo ritual y atávico con lo hipertecnológico en la escena: desde las primeras propuestas fureras de impacto, pasando por ceremonias olímpicas, escenificaciones de ópera o producciones online. Desde 1979 la compañía también estudia las metodologías de creación del colectivo y la consolidación de nuevos discursos escénicos. La capacidad de riesgo y de contagio creativo ha proporcionado a La Fura un amplio reconocimiento internacional, tanto a nivel de público como de crítica, y también respecto a la investigación académica.

Pep Gatell (Barcelona, España, 1958) participó en la creación e interpretación de los primeros espectáculos de la compañía que la consolidaron internacionalmente, creando el lenguaje furero: el método de creación colectiva basado en la fricción. Gatell ha trabajado un amplio abanico de géneros, creando y dirigiendo espectáculos de teatro, cine o macroespectáculos, siempre trabajando con diferentes creadores, profesionales, técnicos y científicos. Es el presidente de la Fundación Épica, con la que La Fura proyecta su solvencia creativa y el éxito de su método a través de un centro que reúne aprendizaje y experiencia.

Miki Espuma (Sant Andreu, España, 1959) es el director artístico más musical de La Fura. Cantautor y músico de rock dentro de la llamada Onda layetana, en 1980 entra la compañía como músico y creador artístico de sus montajes escénicos. Ha dirigido un amplio abanico de macroespectáculos por todo el mundo. También, junto a David Cid, ha dirigido espectáculos de escenario como Temptacions o Freebach 212.

Jürgen Müller (Weiterdingen, Alemania, 1955) llegó a Barcelona para estudiar mimo y danza contemporánea. Perfeccionó el lenguaje escénico multidisciplinar, basado en el predominio del cuerpo, tan típico de la compañía. Participó en la creación e interpretación de los primeros espectáculos de la compañía que la consolidaron internacionalmente, creando el lenguaje furero. Müller ha dirigido propuestas tan diversas como macroespectáculos o teatro digital, además de haber ejercido frecuentemente como docente en diferentes talleres de lenguaje furero

La carrera escénica de Àlex Ollé (Barcelona, España, 1960) se caracteriza por la pluralidad de géneros, creando y dirigiendo espectáculos de teatro, ópera, cine o propuestas de gran formato con su propio sello furero. Tras haber contribuido a la creación de las primeras obras que reafirmaron a La Fura dels Baus como compañía de culto de crítica y público, codirigió el espectáculo epicentro de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. En el terreno de la ópera ha dirigido un amplio abanico de obras a lo largo de su amplia y aclamada trayectoria.

Carlus Padrissa (Balsareny, España, 1959) forjó obras como Accions (1984), Suz/O/Suz (1985), Tier Mon (1988) o Noun (1990), que consolidaron el trabajo de la compañía. Impulsor y de la participación del grupo en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, cuenta con un amplio abanico de aclamadas de puestas en escena de óperas a sus espaldas. Capitanea uno de los proyectos más ambiciosos de La Fura: convertir el barco Naumon, una escenario flotante de 60 metros de largo y 1.100 toneladas.

Pera Tantiñá (Moià, España, 1960) salió de Moià el año 1979, junto a Carlus Padrissa y Marcel·lí Antúnez, con un carro y una mula para recorrer Catalunya. Participó en la creación e interpretación de los espectáculos primerizos de la compañía que la consolidaron internacionalmente, creando el denominado lenguaje furero. Recientemente ha recuperado y recreado el visceral MANES, el último espectáculo de la compañía concebido íntegramente sin referentes externos al grupo. Además ha dirigido una larga lista de macroespectáculos fureros a multitud de países.

A lo largo de 40 años La Fura dels Baus ha desarrollado un método en sus creaciones, más allá de las individualidades y articulado en torno al trabajo en común y a la suma de talento. Ahora, a través de Fundación Èpica, La Fura quiere proyectar su solvencia creativa y el éxito de su metodología mediante un centro que reúna aprendizaje y experiencia a la hora de desarrollar proyectos creativos.

Èpica parte de una idea central: el aprendizaje es el resultado de compartir conocimientos y experiencias. Por eso se desarrollará a partir del trabajo en común entre distintos creadores, profesionales, técnicos y científicos que realizarán proyectos que después serán validados por la sociedad a través de su exhibición.

Saber más de La Fura dels Baus y Fundación Èpica